Jinjin Sun a créé l’Atelier Murmur, petite fabrique de belles choses aujourd’hui installée à Montreuil. Elle est d’origine chinoise et diplômée des Beaux Arts de Pékin. Jinjin est venue en France pour y poursuivre ses études, d’abord en Bretagne pour apprendre le français, puis à Marseille, où elle a été admise à l’école des Beaux Arts. Elle s’est ensuite établie en région parisienne, où elle collabore régulièrement avec de grands noms du monde du luxe pour des commandes spéciales.
Jinjin travaille la porcelaine, selon la technique du coulage. Ses pièces diaphanes sont d’une telle finesse que ses coupelles et gobelets se transforment naturellement en photophores. Jinjin préserve dans son travail la matité et la blancheur de la porcelaine, qu’elle rend translucide. Parfois décorées d’un délicat petit dessin ou de l’empreinte d’un végétal, parfois prenant la forme d’un arbre ou d’un fruit, les œuvres de Jinjin ont presque toujours un lien avec la nature.
Jinjin expose chez Galerie Marguerite une sélection de pièces, gobelets, vases, photophores ou bouteilles, souvent petites par la taille mais toujours grandes par la beauté !

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Pauline André a grandi dans les Hauts de France et vit aujourd’hui à Rosny-sous-Bois. Elle est diplômée d’un BTS en design d’objet, et d’un CAP de maroquinerie. Lors de sa formation, Pauline découvre différents cuirs obtenus selon des procédés variés. Elle choisit de travailler le cuir de tannage végétal. C’est actuellement la technique de tannage la moins polluante pour l’environnement et la moins nocive pour ceux qui la pratiquent. En outre, cette technique est plus respectueuse du grain naturel de la peau et lui permet de continuer à « vivre » en se patinant avec le temps. Sous sa marque Pauline A design, elle crée différents objets en cuir pour la maison et le bureau.  En parallèle, elle enseigne dans un établissement parisien les techniques traditionnelles du travail du cuir. Pauline présente chez Galerie Marguerite une série d’œuvres inspirées par la nature, notamment les fleurs pour ses coupelles et plateaux Morène, les soliflores Arum, ou encore les sphères Akène.

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Après des études de littérature et de management, Sara travaille pendant 20 ans dans de grandes maisons de Mode. Passionnée d’esthétique japonaise, elle rencontre, en 2007, Annie Metzger, céramiste aguerrie formée au Japon, et débute l’apprentissage de l’art de la céramique auprès d’elle. Sara a installé son propre atelier, Argile 124, à l’Est de Paris. C’est à la fois un espace de création pour ses collections et un lieu de formation pour ceux qui souhaitent découvrir ou se perfectionner dans l’art de la céramique.
Sara travaille le grès sous toutes ses formes, grès blanc, grès de Saint Amand, grès rouge, lisse ou chamotté, toujours cuit à haute température. Formée aux techniques du tour (dans le sens japonais, où le travail de l’intérieur de la pièce est prépondérant), du modelage, de la plaque, et de la confection des émaux, Sara aime varier son approche en fonction de la pièce imaginée. Adepte de pièces uniques et de micro séries, c’est l’adéquation et l’équilibre entre la terre, la technique, et l’émail utilisés qui la passionnent. Elle cherche à ce que chaque pièce, non exactement reproductible, dégage une âme et une personnalité particulière, qui parlera à celle ou celui qui la choisira. Galerie Marguerite propose une sélection de pièces de Sara.

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Yuko Kuramatsu est japonaise d’origine et poitevine d’adoption. Sa mère lui a transmis sa passion pour la céramique en lui faisait découvrir des pièces de poterie, à chacun de ses voyages. Yuko en a fait son métier après avoir été formée par différents potiers reconnus, au Japon et en France. Elle se spécialise dans la technique du nerikomi. Il s’agit d’un travail d’assemblage de morceaux de porcelaine colorée. Elle crée des petits objets, coupelles, bols ou assiettes, dont les motifs sont souvent inspirés par son pays : fleurs de prunier, écailles de tortue, asanoha (feuilles de chanvre)… Exposées à la lumière, ses pièces offrent de subtiles nuances. Les pièces de Yuko ne sont ni émaillées, ni peintes, mais teintées dans la masse. Yuko choisit de conserver l’aspect mat et pur de la porcelaine. Elle ponce puis polit minutieusement et longuement toutes ses pièces… Cette ultime étape donne à ses objets une « peau », très douce au toucher.

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Nadège Lelièvre a suivi différentes formations, aux Beaux-Arts de Paris, aux Gobelins, à ESMOD, et aux Arts Décoratifs. L’amour de la peinture l’a amenée aux arts plastiques, qui l’ont conduite aux arts graphiques, puis à la mode et à l’illustration. Sa palette s’est enrichie de chaque univers, et ses œuvres en portent aujourd’hui les nuances.
Nadège Lelièvre travaille à l’aquarelle et à l’encre de Chine, pour des composition figuratives et abstraites. La nature, animale comme minérale, est pour elle une source d’inspiration essentielle et inépuisable.
Nadège propose chez Galerie Marguerite des éditions d’art de ses séries sur les oiseaux et les minéraux. Chaque tirage porte son cachet en relief, et une numérotation unique. Nadège privilégie les matériaux respectueux de l’environnement ainsi qu’une fabrication française, pour contribuer à préserver la nature, à l’image du colibri…

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Artiste-graveuse japonaise, Sayaka Abe est diplômée en Design industriel du Kyoto Institute of Technology. Elle a complété sa formation à Utrecht avec notamment l’étude de procédés de gravure non-toxiques. Après ce séjour aux Pays-Bas, Sayaka passe quelques mois à Paris, où elle décide de s’installer durablement. Elle y vit et travaille depuis 2009. 

Sayaka réalise régulièrement des expositions personnelles et collectives, au Japon et en France. Elle participe à des marchés d’art, comme les journées de l’Estampe, place Saint Sulpice à Paris. Elle a également illustré deux livres de jeunesse ”Un poisson en avril’’, et “Dans mon Furoshiki”. 

Fascinée par Paris, ses façades, ses toits en zinc et ses cheminées, Sayaka capte le charme de la ville dans ses gravures à l’eau forte et à la pointe sèche. On retrouve très souvent dans son travail de petits chats cachés dans ses compositions, des ballons qui s’envolent, des oiseaux qui accompagnent les personnages, des nuages bleus et roses… Sayaka s’inspire également des objets du quotidien : chaussures, robes, tasses, bouteilles, qu’elle intègre souvent dans de petites vues parisiennes, pour livrer à ses spectateurs des histoires à imaginer… Galerie Marguerite propose dans sa boutique en ligne les gravures de Sayaka, toutes réalisées en séries limitées, numérotées et signées.

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Marie Le Moal a débuté sa vie professionnelle comme Officière de la Marine Marchande. C’est lorsqu’elle naviguait qu’elle a commencé à pratiquer la calligraphie et l’aquarelle, comme hobby dans un environnement très technique et stressant. Puis elle a découvert la gravure et ce loisir est devenu une passion, et d’une passion elle a fait un métier. Aujourd’hui elle donne des cours, travaille pour une agence d’illustration et développe ses propres collections, dans lesquelles l’univers marin reste très présent !
Installée à Marseille avec sa famille, Marie pratique la linogravure, en particulier le blockprinting (petits tampons gravés dans des blocs de vinyle, associés pour créer des motifs et compositions variés). Papiers anciens ou pages de vieux livres sont les supports qu’elle préfère, pour des séries empreintes de douceur et de nostalgie.
Marie présente chez Galerie Marguerite des compositions créées sur des pages de livres : Le Petit Prince, Alice au pays des merveilles, les fables de La Fontaine, les Contes du chat perché, ou encore les contes de Grimm… Elle a également créé une collection de compositions au blockprint sur des partitions pour piano, et sur un manuel ancien de mathématiques et astronomie. Et, comme un clin d’œil à son premier métier, Marie décline souvent ses œuvres sur des cartes marines !

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Diplômée de l’école Estienne, Jeanne Picq a travaillé dans différents ateliers parisiens, où elle a notamment participé à la conception de livres d’artiste, et à la mise en couleur d’estampes tirées par la chalcographie du Louvre. Elle a passé quelques années à Bordeaux, avant de s’installer à Nancy, où elle réside aujourd’hui.
Jeanne pratique différentes techniques de gravure, de la taille-douce – eau forte, pointe sèche, aquatinte… – à la linogravure. Elle intègre souvent dans ses compositions de petits collages de papiers colorés, des pièces de métal, ou encore des fils.
Ses dessins sont un voyage avec la faune, la flore, la nature, et même avec les galaxies Ses univers sont souvent merveilleux, emprunts d’une douce étrangeté et parsemés de clins d’œil.
Galerie Marguerite présente une sélection de gravures de Jeanne, notamment ses collections Petites fleurs, Le temps qui pousse et Constellations.

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Sylvie Souton Chany est née en Haute Loire. Elle vit aujourd’hui en Lozère, au cœur du Gévaudan. Elle y a installé son atelier, l’«Atelier de la terre ronde», près de Saint-Alban-sur-Limagnole. Sylvie s’est formée au contact d’autres potiers, et elle est, depuis 2015 membre des Ateliers d’Art de France. Sylvie expose régulièrement dans des salons d’art et marchés de céramique.
Sylvie utilise pour beaucoup de ses œuvres la technique du Raku. Ce savoir-faire japonais repose sur une deuxième cuisson rapide, suivie d’un choc thermique par dépôt des pièces dans un bain de copeaux de bois. Les pièces s’enflamment et l’émail fondu prend son aspect craquelé. Le décor obtenu puise sa beauté dans le caractère aléatoire : Il paraît que Raku signifie « bonheur dans le hasard ».
Sylvie présente chez Galerie Marguerite une sélection de boites, des soliflores accompagnés de leur petite fleur en céramique, et ses « planètes-fleurs », curieux et poétiques objets imaginaires, à mi chemin entre astre et jardin. Sont également exposées ses sculptures des collections “Peuples” et “Demoiselles“, ainsi que des bouquets de fleurs en grès et porcelaine. Les œuvres de Sylvie ont été présentées pendant l’été 2022 au Château de Saint Alban, dans le cadre de l’exposition “Terre à terre, de la forme à la fleur”, réalisée à quatre mains avec son fils Léo. Les collections de Sylvie Souton Chany sont exposées au showroom de Galerie Marguerite, et quelques pièces sont à présent disponibles dans la boutique en ligne.

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Diplômée d’un DEA en Arts Plastiques à Bordeaux, Delphine Simon vit et travaille en Bretagne depuis bientôt une vingtaine d’années.
Delphine dessine et peint à l’encre. Tout pour elle est source d’inspiration, la mer, un tableau, un livre, un décor mais aussi de petits détails qui pourraient sembler anodins. Une silhouette, le motif d’une jupe, le pli d’un tissu ou un objet du quotidien prennent forme et couleur pour composer un univers d’une grande douceur, invitant à la rêverie. D’un tableau à l’autre, les sujets semblent souvent dialoguer : même personnage dessiné de profil dans un dessin et de dos dans l’autre, couleur d’une robe ici qui répond à celui d’un bandeau dans une chevelure là, le parasol de l’été dont les tonalités rappellent celles du parapluie de l’automne…
La couleur bleue est très présente dans le travail de Delphine. Elle utilise notamment les tons Indigo, Outremer ou encore le bleu de Prusse. Elle manie des encres pures ou diluées selon l’impression qu’elle souhaite rendre.
Galerie Marguerite propose des tirages d’art des œuvres de Delphine, imprimés en séries limitées sur papier fine art. Chaque exemplaire est numéroté et signé. Les tableaux se déclinent en différents formats, soigneusement encadrés entre deux verres, comme dans un écrin.

Fabien Dubessy a grandi à Savigny (Rhône), dans la ferme de sa famille. L’amour des bois et prairies de son enfance l’a conduit à choisir des études en Écologie, puis en Ornithologie. Il est aujourd’hui photographe nature professionnel.
Fabien photographie une nature simple, diversifiée, proche, présente à toute heure du jour et de la nuit et par tous les temps. Une attente patiente de l’instant parfait lui permet de révéler la beauté, souvent très douce, de la faune et la flore. S’il s’est établi aujourd’hui dans l’Allier, il a vécu aux quatre coins – littéralement – de la France et en Écosse, ce qui participe à la variété des paysages et animaux protagonistes de ses photographies.
Fabien expose chaque année dans différentes galeries et festivals. Il donne régulièrement des conférences sur son art et anime des stages sur les techniques et sujets photographiques.
Galerie Marguerite propose une sélection de tirages des photographies de Fabien, issues notamment de sa collection Essentiel, univers épuré, où beauté rime avec simplicité, et Mammifères, où écureuils, renards, lapins, biches et cerfs sont photographiés libres et sauvages, dans un total respect de leur habitat et de leurs habitudes.

Armel Barraud est diplômée de l’École Nationale des Arts Décoratifs de Paris. Fascinée par la dextérité et la patience des dentellières, elle ré-interprète leurs gestes ancestraux en créant des dentelles en fil de métal, expression moderne et poétique de leur savoir-faire. Armel expose régulièrement dans toute l’Europe, notamment récemment à la galerie Handwerk à Munich pour l’exposition «dans la forêt enchantée».
Armel «dessine en volume». Ses tableaux sont animés par l’air et la lumière, grâce à l’ombre portée par les fils et les légers mouvements permis par la finesse des matériaux utilisés.
Dans son atelier à Rennes, Armel travaille avec un marteau, des pinces, des fuseaux sculptés sur mesure par un ébéniste, et des clous en guise d’épingles. Elle utilise des fils de laiton, d’acier ou d’argent, récupérés de bobines industrielles, mais aussi des feuilles de cuivre ou de zinc.
Les dentelles métalliques d’Armel, dessins et saynètes, sont peuplées d’animaux et de personnages souvent inspirés de légendes ou de la mythologie. De ses décors oniriques s’échappent fréquemment fleurs, arbres et autres végétaux.
Galerie Marguerite propose les pièces en dentelle de métal d’Armel, encadrées ou libres, à accrocher directement sur un mur sur lequel elles sembleront flotter.

Diplômée de l’école Penninghen, Anne Rodeno est graphiste et directrice artistique. Elle a développé sa propre ligne graphique, qui place au cœur de son travail le dessin de la lettre et le mélange des pigments.
Sous la marque Sweet Planet, elle expérimente la couleur, la matière, joue avec les typographies et le grain du papier. Elle compose avec la simplicité du support et la préciosité du message qu’elle souhaite partager, dans une approche toujours joyeuse et optimiste. Anne maîtrise plusieurs techniques, notamment la linogravure, la sérigraphie et le gaufrage.
Anne présente chez Galerie Marguerite ses collections Grand Bleu et 384 400 km (la distance de la terre à la lune), monotypes déclinés dans différents formats, y compris XXL. Galerie Marguerite propose aussi ses cahiers linogravés, édités en séries limitées dont chaque exemplaire est numéroté et signé. Voyelles ou consonnes, toutes les lettres, ainsi que l’esperluette (jolie forme du “et”), le lemniscate (symbole de l’infini), avec bien d’autres pictogrammes et motifs floraux.

Kyoko Sugiura quitte le Japon pour venir en France en 2009 afin d’y apprendre les spécificités de la broderie pour la haute couture, et notamment le crochet de Lunéville. Elle s’installe à Paris où, depuis, elle exerce son art au sein d’un atelier de broderie réputé, et contribue à la réalisation de pièces pour la haute couture.
Elle crée en 2012 sa propre marque, Kyoko Création Broderie, afin d’exprimer son univers personnel. Kyoko réalise des tableaux et bijoux brodés. Ses pièces, poétiques et à la croisée de deux cultures, font naître de nouvelles formes d’expression.
Kyoko utilise différentes techniques de broderie main. Elle maîtrise notamment la broderie japonaise au fil de soie, savoir-faire traditionnel de son pays natal. Elle intègre à ses créations une grande diversité de matériaux : fils de soie de Kyoto, perles et paillettes anciennes, dentelles, cuir, métaux….
Kyoko expose régulièrement au Japon. En outre, sélectionnée pour participer à la biennale Révélations en 2019, elle présente au Grand Palais à Paris une sélection des tableaux brodés. C’est à cette occasion que Galerie Marguerite a découvert son magnifique travail et proposé de présenter ses œuvres. Kyoko a écrit et illustré plusieurs ouvrages sur la broderie d’art, publiés en japonnais, français et anglais. En 2024, la Fondation MichelAngelo a passé une commande à Kyoko pour trois tableaux brodés, sur le thème du jeu de l’oie. Ces tableaux sont exposés dans le cadre de la Biennale “Homo Faber” qui se tient jusqu’à fin septembre à Venise. Kyoko propose chez Galerie Marguerite une sélection de tableaux brodés.

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Designer et graphiste d’origine, Claire Wolfstirn s’est tournée vers le bijou contemporain par goût du contact avec la matière et du rapport corps/objet. Ses pièces sobres et raffinées évoquent la cohérence et la puissance des formes géométriques présentes dans la nature.

Son intérêt pour la matière l’amène à travailler à la main le métal à l’extrême. Armée de sa scie bocfil, elle donne une finesse et une impression de fragilité déconcertante à l’or et à l’argent, comme aux métaux encore plus durs. Ses tableaux-sculptures reflètent sa réflexion autour du bijou contemporain. Le retrait de l’élément, qu’il soit pendentif, bague ou boucle d’oreilles, change le tableau tout comme le porté du bijou change le corps.

Claire a installé son atelier à Paris en 1999. Elle est membre de l’association «D’un Bijou à l’Autre» qui a initié les «Circuits Bijoux» à Paris en 2013 puis le «Parcours Bijoux» en 2017, 2020 et 2023.

Claire Wolfstirn propose chez Galerie Marguerite une sélection de bagues, bracelets, pendentifs, boucles d’oreilles et boutons de manchette en argent, aux noms poétiques : «Funam-bulle», «Ricochet», «Herbes sages» et «Herbes folles». Toutes les pièces sont également disponibles en or, sur commande. Et des colliers et boucles d’oreilles Cairn, aux magnifiques reflets bleutés du titane, ont récemment rejoint les autres œuvres de Claire Wolfstirn dans la boutique en ligne de Galerie Marguerite.

Fany Perret a été formée à l’École Duperré, aux Beaux-Arts et à l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris en gravure, sérigraphie et techniques d’impression. Elle a quitté récemment la région parisienne pour s’installer à Lyon avec sa famille. Dans son atelier, elle crée des tableaux en séries limitées de 25 ou 45 exemplaires maximum. Fany pratique la gravure à l’eau-forte, Elle travaille un cuivre très fin pour pouvoir découper ses pièces à la cisaille. Elle utilise également des outils de bijoutier pour travailler le métal. Elle perce, embosse, et attaque longuement à l’acide pour créer reliefs et empreintes dans le papier, à la façon du gaufrage. Dans certaines collections, une partie des plaques gravées ne sont pas encrées pour laisser seulement leurs traces en filigrane. Fany réalise également des sérigraphies avec des œuvres toutes en superpositions et transparence. Dans ses tableaux, elle fait dialoguer la couleur et le blanc, le creux et le plein, la douceur et l’énergie… Galerie Marguerite présente une sélection de pièces de Fany, issues de ses collections Coraux, Toucans, Fruits et légumes, Fleurs.

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Après plusieurs années d’expérience comme graphiste dans différentes entreprises, Sandrine Péron s’est installée à Brest. Elle y a créé l’Atelier Mandarine, atelier-galerie d’art qui présente son travail personnel ainsi que celui d’autres artistes, notamment graveurs et céramistes.
Les créations de Sandrine sont réalisées en gravure, technique d’impression qu’elle a découverte pendant ses études en communication visuelle et qu’elle n’a cessé de pratiquer depuis.
Elle conçoit de petites images, de toutes petites (et parfois de très grandes), des saynètes pleines d’humour et de poésie, qui touchent petits et grands.
Son travail est minimaliste, très souvent en noir et blanc, mais parfois une touche de couleur ou un collage s’invite dans la composition.
Sandrine imagine, dessine, grave, imprime et encadre elle-même toutes ses pièces dans son atelier. Ses gravures, principalement sur linoléum, sont tirées en séries limitées numérotées et signées.

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Lise Meillan travaille la terre depuis plus de quarante ans. Après un diplôme d’architecte, elle a vécu dans différentes villes, où elle a toujours trouvé un lieu pour apprendre et exercer sa passion. Depuis 2009 elle dispose de son propre atelier, à présent installé à Malakoff.
Lise travaille différentes variétés de grès et de porcelaine. Elle tourne et modèle, à la plaque, en estampage ou encore avec la technique du colombin. Elle fabrique ses propres émaux à base de matières premières minérales, d’oxydes métalliques et de cendres. Après des essais empiriques, elle s’est formée auprès de célèbre céramistes-émailleurs. Elle est toujours à la recherche de nouvelles couleurs et matières, fruits de la superposition de différentes terres et couvertes. Le résultat est la création d’émaux très personnels, qui donnent un éclat incomparable à l’intérieur de ses bols et coupelles, tout en jouant de contraste avec la matité souvent choisie pour l’extérieur de ses objets.
Depuis 2011, elle donne des cours. La transmission et l’échange donnent une nouvelle dimension à son activité.

Nathanaëlle Lobjoy sculpte, moule et dessine depuis toujours. Fille d’un porcelainier décorateur, elle passe son enfance dans l’atelier de son père où sa passion pour la décoration naît.
Après un diplôme en Créations volumes, Nathanaëlle travaille pour le monde du spectacle et de la mode. Elle crée et fabrique des objets et des décors. Après quelques années, Nathanaëlle prend son envol et conçoit une collections de paravents et luminaires en dentelle d’élastomère de silicone. Puis, soucieuse de la préservation de l’environnement, elle se tourne vers une matière plus respectueuse de la planète : le papier.
L’univers de Nathanaëlle est tout en légèreté et poésie. Elle imagine et dessine à l’encre des motifs puisés dans la nature : enchevêtrement de plantes, bosquets ombragés, trames florales détournées en une sorte de calligraphie singulière, Ces dessins sont ensuite marouflés sur des formes originales modelées à la façon d’un chapelier, opaques ou translucides.
Ce papier à l’aspect de porcelaine devient luminaires. Chaque pièce est unique. Nathanaëlle conçoit et réalise toutes ses créations dans son atelier parisien. Galerie Marguerite propose dans sa boutique en ligne les luminaires de Nathanaëlle, dans un très grand choix de motifs. Certaines déclinaisons sont visibles au showroom de la galerie.

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Hongroise, Rita Rogers quitte Budapest pour suivre à Paris une formation de designer textile à l’Atelier National d’Art Textile. Quelques temps après, elle s’installe avec sa famille en Puisaye–Forterre, région réputée pour son grès et sa tradition potière. Au fil des expositions et des rencontres, Rita découvre toute la diversité des savoir-faire de la céramique et les possibilités infinies du travail de l’argile. Elle est particulièrement fascinée par la porcelaine.
D’abord spectatrice, puis collectionneuse, Rita devient vite elle-même actrice de cet artisanat d’art. Elle débute avec la création d’une collection de bijoux en porcelaine. Puis pour se perfectionner et s’ouvrir à des techniques plus complexes, elle pose sa candidature pour une formation diplômante au Cnifop, (centre international de formation aux métiers d’art et de la céramique). Elle est sélectionnée et y passera une année.
Chaque objet créé aujourd’hui par Rita est le fruit d’une réflexion sur l’usage comme sur l’esthétique. Sa démarche est celle d’une designer. Ses pièces sont des objets utilitaires, fonctionnels, capables de résister aux sollicitations et agressions de la vie quotidienne. Elle travaille principalement la porcelaine à la plaque et en utilisant la technique du coulage. Rita dessine et fabrique toutes ses pièces dans son bel atelier, au milieu des bois…

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La porcelaine, histoire

La porcelaine est un matériau qui fascine et inspire les amateurs d’art du monde entier, depuis bien longtemps. Son histoire remonte à la Chine ancienne, il y a plus de 2000 ans. La porcelaine chinoise était très prisée dans le monde entier et considérée comme un symbole de prestige et de richesse. Au fil du temps, la technique de fabrication de la porcelaine s’est étendue à d’autres régions du monde, notamment en Europe, où elle a été adoptée et adaptée.

La porcelaine, caractéristiques

La porcelaine n’est pas une argile naturelle. Elle est généralement composée d’un mélange de quartz, de feldspath et de kaolin. Elle peut être coulée, tournée ou modelée pour donner forme à l’objet désiré. Après avoir été façonnée, la porcelaine est séchée puis cuite à une température élevée. La porcelaine peut être laissée vierge après sa première cuisson à haute température (c’est ce que l’on appelle le « biscuit », à l’aspect blanc et mat) ou être décorée, notamment avec de l’émail (dans ce cas une deuxième cuisson est nécessaire). La porcelaine peut également être tentée dans la masse, comme pour la réalisation des très raffinées pièces de Yuko Kuramatsu.

Sa texture lisse et translucide ainsi que sa blancheur éclatante lui confèrent une apparence délicate et élégante. Appréciée pour sa beauté et sa durabilité, elle est utilisée dans la fabrication de vaisselle fine, de bijoux, de sculptures et de nombreux objets décoratifs.

Ici et ailleurs !

Si vous êtes intéressé par la porcelaine, il existe de nombreux musées et galeries d’art où vous pouvez admirer des pièces exceptionnelles, notamment le Musée National de la Céramique à Sèvres, ou le Musée National Adrien Dubouché à Limoges. Et si vous voulez profiter de cette belle matière dans la vie de tous les jours, les gobelets, vases et carafes de Rita Rogers vous attendent dans la boutique en ligne de galerie marguerite!

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Depuis son enfance, le dessin et la peinture font partie du quotidien de Nathalie Rémond-Callabat. Elle exprime sa créativité à travers les arts plastiques, auxquels elle s’est formée par de nombreux cours, stages et visites de musées.
Nathalie participe régulièrement à des expositions parisiennes, individuelles ou collectives, ainsi qu’à des salons, comme la foire internationale d’art contemporain YIA (Young International Artists).
A partir d’un cadre formel, construit et réfléchi, Nathalie laisse libre cours à l’imagination et à la fantaisie. Elle cherche à représenter un sujet en le simplifiant, pour n’en garder que les traits les plus significatifs, avant d’y intégrer une part de rêve. Elle joue avec les formes, les couleurs, la lumière et la transparence. Ses œuvres offrent une grande place au végétal : fleurs, feuilles, branches, ou arbres sont au cœur de ses créations. Et de beaux oiseaux imaginaires s’invitent également régulièrement dans ses compositions.
Nathalie présente chez Galerie Marguerite une sélection de tableaux, notamment ses collections “A travers le feuillage” et “Plumes”ainsi que des sacs décorés, réalisés à l’encre acrylique, ou à la peinture.

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Claire-Marie a enseigné la couleur et la composition à l’école Duperré. Elle a également créé une école d’art qu’elle a gérée et développée pendant plusieurs années.
Après 25 ans d’enseignement, Claire-Marie a lancé ses propres collections de sérigraphie textile. Elle a collaboré avec de grands décorateurs et exposé à plusieurs reprises à New York.
Chacune de ses collections a un point de départ, source de son inspiration : les tracés du plus vieux plan de Paris, les symboles d’un livre d’astrologie ancien ou encore les caractères d’un manuel pour écoliers du XVIIème siècle… L’Histoire, mais aussi la Géographie inspirent Claire-Marie : elle recompose des palmes indiennes aux magnifiques couleurs, ou met en scène des sceaux tibétains, habituellement signatures des potiers.
Claire-Marie se partage aujourd’hui entre son atelier parisien, où elle crée et expose, et sa maison dans la campagne sarthoise, où elle réalise ses sérigraphies.
Claire-Marie présente chez Galerie Marguerite une sélection de linge de table (nappes, chemins de table et sets).

Parisienne, Sylvie Bulcourt est diplômée en arts plastiques de l’université Jules Verne d’Amiens. Elle a enseigné le dessin, la peinture et de découpage/collage dans une structure de la ville de Paris. Elle partage son temps entre la transmission de son savoir-faire, la création de projets artistiques et ses réalisations personnelles.

Sylvie a développé sa passion pour le dessin et l’illustration en explorant différents sujets et techniques. Son choix s’est porté, ces dernières années, sur les lignes épurées et le graphisme. Ses illustrations se déclinent en différentes séries qu’elle crée au gré du regard qu’elle pose sur la vie quotidienne. Son attention se porte notamment sur les postures de personnages, les petits plaisirs de la vie ou sur l’architecture parisienne. Ces sujets sont traités en noir et blanc, puis agrémentés de quelques touches de couleurs, appliquées avec des stylos à encre colorée ou des feutres aquarellables, selon la nuance recherchée. Le choix du graphisme, ainsi que l’utilisation de feutres fineliners noirs, confèrent une atmosphère très particulière à ses illustrations.

Sylvie a réalisé une nouvelle série de tableaux en 2024, la collection “Natation au féminin”, clin d’œil plein de beauté aux Jeux Olympiques qui se tiennent cette année à Paris. Pour ces nouvelles œuvres, elle a travaillé à partir de découpages et associé ses modèles à un minutieux travail de recherche. Dans un premier temps, elle a rassemblé des photos prises dans une piscine parisienne. Plusieurs nageuses se sont prêtées au jeu pour choisir les poses et mouvements réalisés dans l’eau ou autour du bassin. À partir de cette matière, Sylvie découpe des silhouettes, d’après les photos, en utilisant deux couleurs : le marron et l’orange. La couleur orange est quasiment toujours la même, tandis que celle du marron est travaillée à partir de plusieurs papiers pour rendre différentes variations de carnation. Les fonds des tableaux sont peints à l’acrylique. Sylvie utilise une peinture qui a la particularité d’être très mate et couvrante, lui permettant d’obtenir des aplats, des fonds unis sans traces de pinceau ni variations de couleur. C’est ainsi qu’elle réalise l’eau des bassins ou les carrelages de chaque composition. Ensuite, Sylvie dispose les silhouettes sur ces fonds pour trouver les assemblages qui fonctionnent, tenant compte du format du bassin (carré, rectangle) et de la taille et du mouvement des silhouettes. Lors de ces tests, d’autres idées émergent et le processus est réitéré : photo, collage, compositions…

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Les graines d’ange de Javier Torrès Lopez sont en visite chez Galerie Marguerite. Ces sculptures en grès blanc à la forme ovoïdale et au visage de nourrisson sont cuites à l’ancienne, au feu de bois. Les volutes à la surface sont les trace de la fumée., laissées lors de la cuisson. Certaines graines d’anges sont cirées et s’habillent ainsi d’une patine au noir lumineux.
D’origine mexicaine, Javier Torrès Lopez mène une carrière de danseur et de chorégraphe, notamment en Europe où il est membre du Ballet National de Finlande pendant 20 ans.
En 1993, il découvre le travail de la céramique aux Etats-Unis et entreprend à son retour en Europe une formation au Centre de Céramique et Galerie Septaria, dirigé par Irma Weckman, artiste réputée en Finlande, avec qui il collaborera longtemps.
Javier a depuis participé à de nombreuses expositions collectives et individuelles. Il a choisi de s’installer en France. Il a aujourd’hui son atelier et une galerie à Paris, dans le 11ème arrondissement.

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Emmanuelle Musset est passionnée par le domaine artistique depuis toujours. Après un baccalauréat option arts appliqués, elle est admise au sein de la prestigieuse École Boulle. Elle y apprend à travailler différentes matières, en particulier le métal et la cire. Elle modèle, moule, grave et estampe, pour créer matrices de médailles, moules de gaufrage, poinçons ou bijoux. Un jour, en visitant un atelier à Limoges, Emmanuelle découvre la céramique. C’est le coup de foudre pour cette matière qu’elle trouve fascinante, et qui lui ouvre de larges possibilités créatives. Pour apprivoiser ce support, nouveau pour elle, Emmanuelle passera une année aux Beaux-Arts de Tarbes, puis intègrera la classe de céramique de l’École La Cambre à Bruxelles.
Depuis, elle a créé différentes collections sous la marque By Manet, notamment “Terre et verre” et “Palazzo”, dont une sélection de pièces est présentée chez Galerie Marguerite. Par ailleurs Emmanuelle a créé une collection d’assiettes spécialement dessinées pour Galerie Marguerite. Deux tailles sont disponibles, et le service est décliné en vert anis, naturel ou blanc.
La démarche créative d’Emmanuelle Musset est éclectique, ingénieuse, et toujours respectueuse de la nature, à commencer par son atelier dans l’Essonne, pensé et construit de façon éco-responsable.

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Après un baccalauréat littéraire option art, puis des études en arts plastiques et esthétique du cinéma, spécialité photographie, Pauline a vécu quelques temps en Italie, où elle a assisté plusieurs artistes. Elle se forme à la prise de vue et au tirage argentique classique, notamment en travaillant auprès de grands tireurs. Sa pratique l’a progressivement menée vers la photographie expérimentale, les procédés alternatifs et anciens.
Les phytogrammes présentés chez Galerie Marguerite ont été réalisés à partir de plantes et de fleurs prélevées dans des parcs parisiens, notamment au Square Saint Lambert. Ce sont des photographies réalisées sans appareil et sans négatif : les végétaux préalablement imprégnés d’une substance révélatrice naturelle sont appliqués directement sur le papier photosensible, puis exposés à la lumière du jour. Une réaction chimique se fait progressivement et le tirage est passé dans un bain de fixateur..
Pauline Magdeleinat expose également chez Galerie Marguerite la série «Frères sauvages», petits singes en semi-liberté, photographiés dans différentes réserves françaises. Les tirages sont réalisés au jet d’encre pigmentaire, sur papier japonais traditionnel de type washi, laissant transparaître des fibres de kozo, légères et résistantes. Et pour la Saint Valentin, Galerie Marguerite propose, en deux formats, “Il Bacio“, photographie en noir et blanc prise par Pauline à la Mostra de Venise.

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Après des études secondaires dans le domaine artistique, Florence Lemoine se tourne vers le travail du verre. Elle obtient le diplôme de « Compagnon verrier européen » du CERFAV (Centre de Recherche et de Formation aux Arts Verriers).
Elle complète sa formation par une résidence au musée-centre d’art du verre de Carmaux, (Tarn) puis par l’apprentissage de savoir-faire spécifiques du verre soufflé auprès de grands maitres verriers, dans différents pays européens, notamment en Suède et au Royaume-Uni.
Florence est inspirée par la beauté de la nature et par les sensations qu’elle procure.. Maîtrise et hasard se conjuguent dans la création de pièces uniques réalisées entièrement à la main dans son atelier installé à Pélussin (Loire).
Florence présente chez Galerie Marguerite une sélection de suspensions et lampes à poser, ainsi que de petites sculptures.

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Agnès Nivot travaille et enseigne en Île de France. Elle s’est formée à la céramique en Irlande avant de se perfectionner au gré de voyages aux États-Unis, au Mexique et au Burkina Faso. Elle a complété sa formation en France par un diplôme de Création et Design Céramique.

Son travail, sobre et épuré, joue de la diversité des surfaces, polies ou rugueuses, engobées ou patinées, émaillées ou cirées. Elle choisit des couleurs en nombre limité, souvent dans des teintes neutres, toujours subtilement vibrantes sur des matières mates et quelquefois rehaussées d’une touche d’or. Ses œuvres, qui apaisent l’esprit et l’environnement, s’intègrent parfaitement dans les intérieurs contemporains.

Agnès a été sélectionnée pour présenter son travail aux deux dernières biennales Révélations qui se sont tenues au Grand Palais. Elle a également participé à plusieurs reprises au prestigieux marché Saint-Sulpice Céramique ainsi qu’à différentes expositions à Shanghai, Pékin, Beyrouth et New York.

Agnès présente chez Galerie Marguerite une sélection de gobelets, bols et grands vases, ainsi que des compositions murales en céramique.

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